El legendario compositor, intérprete y artista visual Charlemagne Palestine une fuerzas con Oren Ambarchi, innovador guitarrista y explorador sonoro australiano, y Daniel O’Sullivan, multiinstrumentista y compositor inglés, para formar un trío visionario que redefine la MAGGGICCCC SONGGGG Karenina de Palestine. Esta colaboración sin precedentes da un nuevo impulso a una obra maestra sacra.
Grabada originalmente en 1997 en la Galerie Donguy de París y publicada en el sello Durtro de David Tibet (ahora descatalogada), Karenina es una de las joyas del canon de la continuous music de Palestine. Compuesta originalmente para armonio indio y voz, esta obra canaliza las influencias profundamente arraigadas del compositor: las texturas meditativas y evolutivas del raga indostánico, los emotivos cánticos espirituales de la música sinagogal cantoral y su característico enfoque de la continuous music de larga duración. En esta nueva versión 2.0, el trío se basa en el núcleo meditativo de Karenina e introduce nuevas dimensiones sonoras a través de su sinergia única y su talento artístico individual.
La reinterpretación de Karenina por parte de este trío honra la esencia sacra de la obra original, al tiempo que la reimagina como una entidad viva y en constante evolución. Juntos, tejen nuevas texturas, integrando el trabajo de Ambarchi con la guitarra, la expansiva sensibilidad armónica de O’Sullivan, y el harmonio y la voz trascendentes de Palestine. El resultado es un tapiz sonoro que trasciende las fronteras del tiempo, la tradición y el género: una exploración meditativa pero dinámica que invita a los oyentes a adentrarse en un mundo sonoro transformador.
Legendary composer, performer, and visual artist Charlemagne Palestine has joined forces with Oren Ambarchi, the groundbreaking Australian guitarist and sound explorer, and Daniel O’Sullivan, the English multi-instrumentalist and composer, to form a visionary trio that redefines Palestine’s MAGGGICCCC SONGGGG Karenina. This unprecedented collaboration breathes new life into a sacred masterpiece.
Originally recorded in 1997 at Galerie Donguy in Paris and released on David Tibet’s Durtro label (now long out of print), Karenina is one of the jewels of Charlemagne Palestine’s continuous music canon. Originally composed for Indian harmonium and voice, this composition channels Palestine’s deep-rooted influences: the meditative, evolving textures of Hindustani raga, the emotive spiritual chants of cantorial synagogue music, and his signature approach to longform continuous music. In this new 2.0 rendering, the trio builds upon the meditative core of Karenina, introducing fresh sonic dimensions through their unique synergy and individual artistry.
This trio’s reinterpretation of Karenina honours the sacred essence of the original while reimagining it as a living, evolving work. Together, they weave new textures, integrating Ambarchi’s textural guitar work and O’Sullivan’s expansive harmonic sensibilities with Palestine’s transcendent harmonium and voice. The result is a sonic tapestry that transcends the boundaries of time, tradition, and genre—a meditative yet dynamic exploration that invites listeners into a transformative sound world.
Points of Inaccessibility es una performance audiovisual inmersiva del compositor estadounidense Rafael Anton Irisarri y del artista neerlandés Jaco Schilp, quienes se conocieron por casualidad en Ciudad de México en 2024. El título se inspira en la idea geográfica de los polos de inaccesibilidad: aquellas coordenadas remotas en la Tierra más alejadas de cualquier límite o punto de entrada. No son lugares definidos por lo que son, sino por lo que carecen: proximidad, alcance, conexión. La obra reinterpreta esta idea para nuestra era digital, trazando paisajes emocionales y perceptivos que se sienten igualmente inalcanzables.
Esta inquietante performance explora el duelo, la soledad y la intimidad mediada a través de la estética fragmentada de los datos de nube de puntos. Las constelaciones cambiantes de puntos de datos representan paisajes, objetos y recuerdos como presencias fantasmales y a medio formar, siempre a punto de disolverse. Los espacios digitales se convierten tanto en un refugio como en un vacío, donde lugares parpadeantes, voces distorsionadas y conexiones frágiles evocan la tensión entre la presencia y la ausencia.
Mezclando paisajes sonoros cargados de emoción con imágenes efímeras y disolventes, Points of Inaccessibility lanza la pregunta: en un mundo donde nuestras interacciones están mediadas por pantallas y señales, ¿podemos conectar realmente? ¿O somos simplemente puntos aislados, suspendidos en un espacio infinito e inalcanzable?
La pieza se desarrolló durante una residencia en Uncloud, en Utrecht, en la primavera de 2025, gracias a una subvención del K.F. Hein Fonds. La edición física en BioVinyl será publicada por Black Knoll Editions en octubre de 2025, con distribución mundial a través de Morr Music.
Points of Inaccessibility is an immersive audiovisual performance by American composer Rafael Anton Irisarri and Dutch media artist Jaco Schilp, who met by chance in Mexico City in 2024. The title draws from the geographic idea of poles of inaccessibility—those remote coordinates on Earth farthest from any boundary or point of entry. These are not places defined by what they are, but by what they lack: proximity, reach, connection. The work reimagines this idea for our digital era, mapping emotional and perceptual landscapes that feel similarly unreachable.
This haunting performance explores grief, loneliness, and mediated intimacy through the fragmented aesthetics of point cloud data. Shifting constellations of data points render landscapes, objects, and memories as ghostly, half-formed presences—always on the verge of dissolving. Digital spaces become both a refuge and a void, where flickering places, distorted voices, and fragile connections evoke the tension between presence and absence.
Blending emotionally charged soundscapes with ephemeral, dissolving visuals, Points of Inaccessibility asks: In a world where our interactions are mediated by screens and signals, can we ever truly connect? Or are we just isolated points, suspended in an infinite, unreachable space?
The piece was developed during a residency at Uncloud in Utrecht in the spring of 2025, made possible through a grant from the K.F. Hein Fonds. A physical edition on BioVinyl will be released by Black Knoll Editions in October 2025, with worldwide distribution via Morr Music.
El sexto álbum de emptyset se fundamenta en su exploración continua de las historias del sonido y los medios electrónicos a lo largo del siglo XX, considerando la evolución entrelazada del cosmic rock, el minimalismo y la música electrónica. Esto se observa a través de sus sueños prospectivos y ambiciones tecnológicas superpuestas. Las composiciones de Dissever extraen elementos de estos métodos de producción pioneros que surgieron en paralelo a finales de la década de 1960, analizando la comunicación entre estos campos y sus intenciones radicales de esculpir el futuro desde caminos diferentes. Atraviesan lo místico y lo moderno, al tiempo que incorporan elementos de lo transformador, lo hipnótico, lo expansivo y lo trascendente para definir nuevos principios dentro del sonido.
Los arreglos, interpretados en vivo y capturados en tomas únicas, surgieron a lo largo de una serie de sesiones en el estudio de grabación de Mat Sampson en Bristol, un colaborador de larga data. Este proceso revisitó hardware antiguo, técnicas de grabación espacial y multipista para crear un cuerpo de material dinámico que pudiera mirar hacia atrás a estas formas musicales fundacionales y hacerlas converger a través de la lente de una línea de tiempo reimaginada. De esta forma, cultivan una transmisión desde 1969 hasta el presente y un puente sensorial hacia el pasado.
Dissever se presentó por primera vez en la Tate Modern como una actuación en vivo para acompañar la exposición Electric Dreams, una amplia muestra de la historia global del arte y la tecnología. Esta exposición profundizó aún más en la naturaleza improvisada de las composiciones y sus posibilidades interpretativas en evolución. Las ideas y métodos del álbum también se anclaron en las exploraciones paralelas del dúo, especialmente en el trabajo de Ginzburg con el grupo transnacional de múltiples instrumentos Osmium, y la investigación e instalaciones de Purgas que desvelan las historias sonoras del sur de Asia.
emptyset’s sixth album builds on their ongoing exploration into the histories of electronic sound and media across the 20th century, considering the intertwined evolution of cosmic rock, minimalism and electronic music, viewed through their prospective dreams and overlapping technological ambitions. The compositions across Dissever draw threads from these pioneering production methods emerging in parallel across the late 1960’s, considering the cross talk between these fields and their radical intentions to carve out the future from differing paths, traversing the mystical and modern, while incorporating elements of the transformative, hypnotic, expansive and transcendent to define new principles within sound.
The arrangements, performed live and captured in single takes, emerged across a series of sessions at long term collaborator Mat Sampson recording studio in Bristol. This process revisited early hardware, spatial and multitrack recording techniques to create a dynamic body of material that could look back to these foundational musical forms and converge them through the lens of a reimagined timeline, cultivating a transmission from 1969 to the present and a sensory bridge to the past.
Dissever was first presented at Tate Modern as a live performance to accompany the exhibition «Electric Dreams», a large-scale survey of the global history of art and technology, which built further on the improvisatory nature of the compositions and their evolving performative possibilities. The ideas and methods of the album were equally anchored through the duo’s parallel explorations, notably within Ginzburg’s work with the transnational multi-instrumental group Osmium, and Purgas research and installations uncovering the sonic histories of South Asia.
Noémi Büchi es una compositora y artista multimedia suizo-francesa que crea y explora el potencial de las estructuras musicales que trascienden los géneros. Su música se caracteriza por una delicada síntesis de ritmos texturales y abstracción electroacústico-orquestal. Contrasta la fisicidad rítmica con la disrupción y enfatiza juguetonamente las irregularidades, creando una experiencia auditiva expansiva marcada por el detalle y la elevación.
Su trabajo musical se mueve en los ámbitos de la composición electroacústica, las actuaciones en directo, los espectáculos audiovisuales, la música para cine, la música para danza contemporánea, la música para instalaciones, la música para teatro y las obras orquestales. Tiene un máster en composición electroacústica por la ZHdK (Zúrich) y una licenciatura en musicología y literatura/lingüística alemana por la Universidad de Zúrich.
Durante y después de sus estudios, tocó en varios festivales y recibió un premio cultural de la ciudad de Zúrich. Es invitada habitual en festivales nacionales e internacionales de renombre, como Ars Electronica (AUT), Mutek Festival (ESP), L.E.V. Festival (ESP), Variations Festival (FR) y Linecheck Festival (IT).
Noémi Büchi is a Swiss/French composer and multimedia artist that creates and explores the potential of cross-genre musical structures. Her music is defined by a delicate synthesis of textural rhythms and electroacoustic-orchestral abstraction. She contrasts rhythmic physicality with disruption and playfully emphasizes irregularities, creating an expansive listening experience marked by detail and elevation.
Her musical work moves in the areas of electroacoustic composition, live performances, audiovisual shows, music for film, music for contemporary dance, music for installations, music for theater and for orchestral works. She holds a Master’s degree in electroacoustic composition from the ZHdK (Zürich) and a Bachelor’s degree in musicology and German literature/linguistic from the University of Zürich.
During and after her studies, she played at various festivals and received a cultural prize from the city of Zürich. She regularly invited at renowned national and international festivals such as Ars Electronica (AUT), Mutek Festival (ESP), L.E.V. Festival (ESP), Variations Festival (FR), Linecheck Festival (IT).
Pilar de la escena musical underground desde hace más de 20 años, Jon K ha demostrado ser una fuerza pionera en la música de baile británica contemporánea con sus mixtapes agotadas para numerosos sellos, entre ellos TTT, Cav Empt, $hotta Tapes y Reel Torque.
Cuando no está al frente de MAL Recordings (junto a Elle Andrews) o preparando su programa mensual Peking Spring en NTS Radio, lo más probable es que encuentres a Jon K pinchando en locales de música DIY y centros de todo el mundo, desde Londres, Marsella, Nueva York y Tokio hasta The White Hotel de Mánchester, donde actualmente es residente de las fiestas Mire.
En 2016, Jon se adentró en la curación con el aclamado LP de Equiknoxx Bird Sound Power, publicado en DDS, que él mismo recopiló junto a Demdike Stare, además de encargarse de todo el diseño artístico. El disco recibió un gran apoyo de un público increíblemente diverso y —al igual que su continuación de 2017, Colón Man— fue ampliamente reconocido como un importante catalizador de la explosión del dancehall de vanguardia de los últimos años.
Tras haber operado de forma algo discreta desde finales de los 90, su amplia experiencia y su vasta gama de influencias lo convierten en un DJ muy versátil y original. Podríamos intentar decirte qué esperar de él, pero tal vez ese no sea el punto.
A stalwart of the underground music scene for over 20 years, Jon K has proven himself a pioneering force in contemporary British dance music with sold out mixtapes for many labels including TTT, Cav Empt, $hotta Tapes and Reel Torque.
When he’s not running MAL Recordings (alongside Elle Andrews) or pulling together his monthly ‘Peking Spring’ show on NTS Radio, you’re most likely to catch Jon K playing raucous DIY spots and hubs across the world, from London, Marseilles, New York and Tokyo to Manchester’s The White Hotel where he is currently a resident of the Mire parties.
In 2016 Jon moved into curation with the acclaimed Equiknoxx Bird Sound Power LP released on DDS which he compiled with Demdike Stare alongside creating all of the artwork – the record had very vocal support from an incredibly diverse audience and (as well as it’s 2017 follow up Colón Man) was widely recognised as being a major catalyst in the left field dancehall explosion of recent years.
Having operated somewhat under the radar since the late 90s, his wide-ranging expertise and vast array of influences makes him a highly adaptable and original DJ – we could try and tell you what to expect, but maybe that’s not the point.
Para aquellos que pensaban que la fusión entre el dub techno y el ambient drone había llegado a su fin creativo con la desaparición del efímero sello berlinés Chain Reaction, Ghost Dubs, cuyo nombre real es Michael Fiedler, actualiza ahora y amplía aún más y más profundamente la metodología abstracta de ese legendario modelo, flotando en un mar maravillosamente cálido de silbidos y estática felicidad. Se trata de un dub tan atomizado que se desintegra dentro de tus tímpanos. Es música en la que las máquinas toman el control y prácticamente se borran todos los rastros de humanidad. Pero, afortunadamente, el alma más cálida sigue rezumando seductoramente por los poros de los ritmos robóticos de Fiedler. Implacablemente hipnótico, seriamente sedante, Damaged, su primer álbum para el sello PRESSURE de The Bug, celebra el punto de partida dentro de sus fascinantes ritmos graves.
For those who feel the fusion of dub techno and ambient drone had creatively ended with the demise of the short lived, Berlin based Chain Reaction label. Ghost Dubs, real name Michael Fiedler now upgrades, and extends that legendary blueprint’s abstract methodology even further and deeper, floating away upon a wonderfully warm sea of hiss and static bliss. This is dub so atomized that it disintegrates within your eardrums. Its music, where the machines take over and virtually all traces of humanity are erased. But thankfully, the warmest soul still oozes seductively from the pores of Fiedler’s robo riddims. Relentlessly hypnotic, seriously sedated, Damaged, his first album for The Bug’s PRESSURE label, celebrates the point of departure within it’s mesmerising low end grooves.
El proyecto avant-dub de Yannick Franck, MT Gemini, fusiona influencias del ska, el reggae y el rocksteady tempranos con exploraciones electroacústicas poco ortodoxas. Este enfoque singular crea un homenaje deconstruido a sus melodías jamaicanas favoritas. Recientemente aclamado en el legendario Cafe Oto de Londres con motivo de su debut en el Reino Unido, las actuaciones audiovisuales en directo de Mt Gemini ofrecen una mezcla hipnótica de intensidad sonora cruda, alegría enrevesada y nostalgia hackeada. Ha compartido cartel con artistas como Drew McDowall, Ghost Dubs, Shit & Shine y Nik Colk Void.
La revista The Wire nombró su álbum debut uno de los «10 discos del año» en su categoría dub, mientras que Brainwashed lo aclamó como «magia transformadora, un viaje profundamente lisérgico que está a años luz de su forma original». En el verano de 2025, el sello Antibody lanzará una edición en vinilo de su último EP, Conquering Ruler.
Yannick Franck’s avant-dub project MT Gemini merges influences from early ska, reggae, and rocksteady with unorthodox electroacoustic explorations. This singular approach creates a deconstructed homage to his favorite Jamaican tunes. Recently acclaimed at London’s legendary Cafe Oto on the occasion of his UK debut, Mt Gemini’s live AV performances offer a trance inducing blend of raw aural intensity, circonvoluted joy and hacked nostalgia. He has shared the bill with artists such as Drew McDowall, Ghost Dubs, Shit & Shine, and Nik Colk Void.
The Wire Magazine named his debut album one of the “10 Records of the Year” in its dub category, while Brainwashed hailed it as “transformational wizardry, a deeply lysergic journey that’s light years from its original form.” In Summer 2025, Antibody label will release a vinyl edition of his latest EP, Conquering Ruler.
Esta edición y como parte del Activa Fest, que promueve la programación de festivales con contenido cultural y artístico, Volumens llega a la La Nau, símbolo vivo de la Universidad de Valencia convertido en centro cultural de referencia.
El proyecto musical emergente creado en 2022 en las comarcas de l’Alcoià parte de la fusión innovadora de la música electrónica con la música tradicional valenciana, incorporando elementos de la tradición oral junto con influencias contemporáneas de géneros electrónicos como el UK bass y la emblemática Ruta de finales de los 80 y principio de los 90. Faixa apuesta por una visión dinámica y contemporánea de la música tradicional, entendida como un patrimonio vivo y en constante transformación, que se integra en la vida cotidiana. Su objetivo es contribuir a la desacralización y revalorización del patrimonio cultural valenciano a través de la innovación sonora y la experimentación musical.
This year, as part of Activa Fest—a program that promotes festivals with cultural and artistic content—Volumens arrives at La Nau, a living symbol of the University of Valencia and a renowned cultural center. On Friday, October 17, it will host the groundbreaking proposal by Faixa.
This emerging musical project, created in 2022 in the l’Alcoià region is rooted in the innovative fusion of electronic music with Valencian traditional music, blending elements of oral tradition with contemporary influences from genres such as UK bass and the iconic Ruta of the late ’80s and early ’90s. Faixa embraces a dynamic and contemporary vision of traditional music, understood as a living heritage in constant transformation, integrated into everyday life. The project aims to contribute to the desacralization and revalorization of Valencian cultural heritage through sonic innovation and musical experimentation.
Rachael es una DJ residente en Madrid a cuyos intereses iniciales, circunscritos principalmente al electro y el techno, añadió la exploración de ciertas expresiones del hardcore continuum, así como incursiones esporádicas en géneros limítrofes. Su estilo está caracterizado por un uso ágil y directo del vinilo y por un principio constructivo marcado por una tendencia general a la acumulación de intensidad.
Rachael is a Madrid-based DJ to whose initial interests, mainly circumscribed to electro and techno, she added the exploration of certain expressions of the hardcore continuum, as well as sporadic incursions into adjacent genres. Her style is characterised by an agile and direct use of vinyl and by a constructive principle marked by a general tendency towards the accumulation of intensity.
Estela Esperanza (Valencia) es compositora, productora y cofundadora del sello independiente Dominio. Con la intención de escapar de las categorizaciones, basa su proyecto musical en la yuxtaposición de opuestos: entre lo experimental y lo accesible, entre lo etéreo y lo provocativo, entre lo melancólico y lo enérgico. Una experiencia que prioriza el ambiente sobre la estructura, la apertura sobre el encierro y la emoción sobre el pensamiento.
Estela Esperanza (Valencia) is a composer, producer and co-founder of the independent label Dominio. With the intention of escaping categorisation, she bases her musical project on the juxtaposition of opposites: between the experimental and the accessible, between the ethereal and the provocative, between the melancholic and the energetic. An experience that prioritises atmosphere over structure, openness over confinement, and emotion over thought.
Músicas Brutas es un taller interactivo que invita a descubrir el universo de la creación sonora a través de instrumentos electrónicos como pedales de loop, sintetizadores, cajas de ritmos y el misterioso theremin.
Desde 2013, Músicas Brutas ha recorrido centros educativos, museos y festivales, proponiendo una inmersión lúdica y única en el sonido y sus posibilidades. Durante el taller, los asistentes explorarán cómo transformar su voz con el vocoder, crear repeticiones infinitas con el pedal de loop o generar atmósferas espaciales con sintetizadores, en un viaje sensorial que combina tecnología y creatividad.
Cuneta, dúo formado por Alba Murcia y Vicent Pelechano, especialistas en creación sonora comunitaria y mediación cultural, aporta a esta experiencia su amplia trayectoria en proyectos de danza, vídeo, cine mudo y teatro infantil, con más de diez álbumes publicados fruto de procesos colectivos de creación.
Una clausura familiar y sonora que invita a experimentar, jugar y conectar con el poder del sonido en un espacio emblemático de la cultura valenciana.
Músicas Brutas is an interactive workshop invites participants to explore the world of sound creation through electronic instruments such as loop pedals, synthesizers, drum machines, and the mysterious theremin.
Since 2013, Músicas Brutas has traveled through schools, museums, and festivals, offering a playful and unique immersion into sound and its possibilities. During the workshop, attendees will learn how to transform their voice using a vocoder, create endless repetitions with a loop pedal, or generate spatial atmospheres with synthesizers—embarking on a sensory journey that merges technology and creativity.
Cuneta, the duo formed by Alba Murcia and Vicent Pelechano, are specialists in community-based sound creation and cultural mediation. They bring to this experience a broad background in dance, video, silent film, and children’s theater, with over ten albums released as the result of collective creative processes.
Soul Twin es un dúo de música electrónica afincado en el delta del Ebro, al sur de Cataluña. Con profundas raíces en la vida rural, sus exploraciones sonoras difuminan los límites entre los géneros musicales experimental, ambient y vanguardista.
Desde su debut autoeditado en 2021 y una serie de trabajos lanzados de forma independiente, el dúo ha continuado evolucionando, lo que llevó a su lanzamiento de 2024, DELTA B, una obra conceptual publicada a través del sello valenciano VELA. El disco explora el impacto de la actividad humana en el entorno natural, entrelazando elementos de diseño de sonido, electrónica ambient y breaks.
El último proyecto de Soul Twin, 222, se publicará este año a través del sello berlinés appendix.files. Guiado por una profunda confianza en la intuición —haciendo eco del significado numerológico del número 222—, el proyecto se desarrolla a través de capas de atmósferas etéreas, texturas difuminadas y percusión electrónica experimental. Fieles a su enfoque personal de la música electrónica, el dúo está presentando actualmente el proyecto en formato de directo.
Soul Twin is an electronic duo based in the Ebro delta, southern Catalonia. Deeply rooted in rural life, its sonic explorations blur the lines between experimental, ambient, and avant-garde music genres.
Since their self-released debut in 2021 and a string of independently released works, the duo has continued to evolve, leading to their 2024 release DELTA B, a conceptual work issued through the Valencian label VELA. The record explores the impact of human activity on the natural environment, weaving together elements of sound design, ambient electronics, and breaks.
Soul Twin’s latest project, 222, is set to be released this year via the Berlin-based label appendix.files. Guided by a deep trust in intuition—echoing the numerological significance of the number 222—the project unfolds through layers of ethereal atmospheres, blurred textures, and experimental electronic percussion. Staying true to their personal approach to electronic music, the duo is currently presenting the project in a live format.
Gianluca Tavaroli, también conocido como IMGL, se encuentra en la encrucijada del dominio clásico y la exploración electrónica contemporánea. Nacido y criado con una base musical clásica, Gianluca se aventuró más allá de los límites tradicionales para crear una identidad artística única.
Formado como músico clásico, logró la excelencia en su oficio, obteniendo reconocimiento por su competencia. Sin embargo, su viaje artístico dio un giro inesperado al adentrarse en los ámbitos de la producción musical ambiental e IDM. Bajo el nombre de IMGL, Gianluca fusiona la elegancia atemporal de las influencias clásicas con los sonidos de vanguardia del ambient y la IDM.
Con una combinación perfecta de sensibilidades clásicas e innovación electrónica, la música de IMGL trasciende los géneros, creando un paisaje sonoro que invita a los oyentes a una experiencia auditiva cautivadora. Sus composiciones, que van desde expresiones clásicas hasta exploraciones ambientales, muestran una profunda versatilidad que refleja su compromiso de traspasar los límites de la expresión musical.
El arte de IMGL es un testimonio de la fluidez de la creatividad, lo que demuestra que una base clásica puede servir como plataforma de lanzamiento hacia territorios inexplorados. El viaje de Gianluca Tavaroli como IMGL continúa cautivando al público, ofreciendo una perspectiva refrescante sobre la intersección de la música clásica y electrónica.
Gianluca Tavaroli, also known as IMGL, stands at the crossroads of classical mastery and contemporary electronic exploration. Born and raised with a classical musical foundation, Gianluca ventured beyond traditional boundaries to craft a unique artistic identity.
Trained as a classical musician, he achieved excellence in his craft, earning recognition for his proficiency. However, his artistic journey took an unexpected turn as he delved into the realms of ambient and IDM
music production. Under the moniker IMGL, Gianluca merges the timeless elegance of classical influences with the cutting-edge sounds of ambient and IDM.
With a seamless blend of classical sensibilities and electronic innovation, IMGL’s music transcends genres, creating a sonic landscape that invites listeners into a captivating auditory experience. His compositions, ranging from classical expressions to ambient explorations, showcase a profound versatility that reflects his commitment to pushing the boundaries of musical expression.
IMGL’s artistry is a testament to the fluidity of creativity, demonstrating that a classical foundation can serve as a launchpad into uncharted territories. Gianluca Tavaroli’s journey as IMGL continues to captivate audiences, offering a refreshing perspective on the intersection of classical and electronic music.
hi scores es el pseudónimo de Fernando Álvarez, fundador y director de VELA, además de co-organizador de Velada, el ciclo de conciertos que actualmente lleva a cabo el sello valenciano. Como DJ y selector musical, hi scores recoge tanto las influencias del sello como las suyas propias, moviéndose desde el ambient más sugerente e inmersivo hasta la electrónica avanzada o los ritmos rotos, sabiendo adaptar el discurso sonoro según el contexto. Una travesía por texturas y estados mentales alterados.
VELA es un sello discográfico independiente especializado en ambient, electrónica y otras músicas ensoñadoras, innovativas y de texturas. Desde su nacimiento en València en 2023, ha publicado referencias para artistas como Soul Twin, Hiss o Pablo Ojeda, y organizado eventos de música en directo con nombres de relevancia nacional e internacional como upsammy, oma totem, nara is neus o Kazumi Sakoda. También ha realizado la curaduría de VELA TAPES, una serie de mixes para escuchar entre el sueño y la vigilia.
hi scores is the alias of Fernando Álvarez, founder and director of VELA, as well as co-organizer of Velada, the concert series currently run by the Valencian label. As a DJ and music selector, hi scores draws from both the label’s influences and his own, moving seamlessly from immersive, evocative ambient to leftfield electronic and breaks, always adapting his sonic narrative to the context. A journey through textures and altered states of mind.
VELA is an independent record label specializing in ambient, electronic, and other dreamy, innovative, and textural music. Since its founding in Valencia in 2023, it has released works by artists such as Soul Twin, Hiss, and Pablo Ojeda, and organized live events featuring nationally and internationally acclaimed names like upsammy, oma totem, nara is neus, and Kazumi Sakoda. The label has also curated VELA TAPES, a series of mixes designed for listening between sleep and wakefulness.
Artista de nuevos medios, fundador de media.tribe, trabaja con instalaciones audiovisuales y videoarte, donde combina código de programación con algoritmos generativos inspirados en la naturaleza para crear una estética limítrofe entre lo digital y lo natural en sus profundas piezas meditativas. Sasha basa su práctica en la investigación de diversos fenómenos matemáticos, científicos y de software.
Las obras de Sasha Kojjio se han presentado en festivales de arte multimedia y exposiciones permanentes en Estados Unidos, Europa y Rusia, así como en la exposición de proyectos colectivos de media.tribe en Estados Unidos, China y España.
New media artist, founder of media.tribe, works with audiovisual installations and video-art where he combines program code with generative algorithms inspired by nature to create borderline aesthetics between digital and natural in his deep meditative pieces. Sasha builds his practice around research of various mathematical, scientific, software phenomena.
Sasha Kojjio’s works have been presented at media art festivals and permanent exhibition in USA, Europe and Russia, as well as part of the exhibition of media.tribe collective projects in the USA, China, Spain.
Una escultura que dialoga entre dos mundos: el físico y el digital.
La obra se presenta como una escultura lumínica y sonora generativa que explora la interacción entre materia y tecnología en tiempo real. Un rayo láser, atrapado dentro de una estructura espejada, genera patrones de luz en constante movimiento, evocando una sensación de infinitud. Simultáneamente, un sistema digital capta ese comportamiento interno y lo traduce en una réplica virtual proyectada en pantalla, estableciendo un diálogo dinámico entre lo físico y su versión computacional. La pieza invita a reflexionar sobre la percepción, la duración y la coexistencia de ambos mundos en el contexto de la creación contemporánea.
Radiante es un estudio multidisciplinar especializado en arte lumínico y artes escénicas. Su trabajo se basa en desarrollar obras que combinan luz, vídeo e interacción con intérpretes o usuarios, explorando así nuevas formas de expresión y significado.
A sculpture that bridges two worlds: the physical and the digital.
The piece is presented as a generative light and sound sculpture that explores the interaction between matter and technology in real time. A laser beam, trapped within a mirrored structure, creates ever-shifting light patterns that evoke a sense of infinity. Simultaneously, a digital system captures this internal behavior and translates it into a virtual replica projected on a screen, establishing a dynamic dialogue between the physical and its computational counterpart. The piece invites reflection on perception, duration, and the coexistence of both realms within the context of contemporary creation.
Radiante is a multidisciplinary studio specializing in light art and the performing arts. Their work focuses on developing pieces that combine light, video, and interaction with performers or users, thus exploring new forms of expression and meaning.
Finalista en los Digital Art Awards de Phillips Londres. Bajo el seudónimo Motus Art, Owen es un artista digital multidisciplinar –artista visual y programador creativo– originario de Irlanda y afincado en Madrid. Con un estilo minimalista, su trabajo se centra en el movimiento y el flujo para descubrir la belleza oculta en los números.
Su obra ha sido expuesta internacionalmente, incluyendo Christie’s, Phillips, Pandolfini Casa d’Aste (Italia), Hong Kong, Nueva York, Miami y Marfa. Su trabajo digital puede encontrarse en Art Blocks.
Representado por House of Fine Art (HOFA); Reino Unido, Estados Unidos, Dubái, Arabia Saudí y Hong Kong.
Finalist in the Digital Art Awards at Phillips London. Working under the moniker Motus Art, Owen is a multidisciplinary digital artist from Ireland, based in Madrid. With a minimalist style, his work focuses on movement and flow to discover the hidden beauty in numbers.
Owen’s work has been exhibited internationally, including: Christie’s, Phillips, Pandolfini Casa d’Aste(Italy), Hong Kong, NYC, Miami and Marfa. His digital work can be found at Art Blocks.
Represented by House of Fine Art (HOFA); UK, US, Dubai, Saudi Arabia, and Hong Kong.
The Architecture of Existence prolonga la exploración iniciada en Origin of Creation, llevando al espectador de lo invisible a lo casi tangible, transformando fuerzas antes imperceptibles en estructuras que quieren existir físicamente.
La obra despliega geometrías monumentales y abstracciones arquitectónicas emergen, colapsan y se transforman continuamente, en un espacio donde la luz y la materia se funden. La obra invita a la contemplación, ofreciendo un paisaje sensorial donde la arquitectura se percibe como energía, geometría y luz, en constante movimiento y transformación.
The Architecture of Existence extends the exploration begun in Origin of Creation, taking the viewer from the invisible to the almost tangible, transforming previously imperceptible forces into structures that seek to exist physically.
The work displays monumental geometries and architectural abstractions that emerge, collapse and transform continuously, in a space where light and matter merge. The work invites contemplation, offering a sensory landscape where architecture is perceived as energy, geometry and light, in constant movement and transformation.
Genesis P-Orridge vivió su arte al extremo. Músicx pionerx, artista vanguardista, exploradorx espiritual y revolucionarix de género, Genesis ha aparecido en películas y vídeos, pero nunca se ha contado toda su historia… nunca de forma tan íntima… hasta ahora. En este documental autorizado, pero crudo y personal, el galardonado director David Charles Rodrigues (GAY CHORUS DEEP SOUTH) documenta el último año de la existencia de P-Orridge mientras lucha contra la mortalidad y, en el proceso, revela los muchos sacrificios y las recompensas finales de una vida que trascendió los límites. Con la participación de William Burroughs, Brion Gyson, Timothy Leary, Alice Genese (Psychic TV), David J (Bauhaus/Love and Rockets), monjes nepalíes, brujos africanos y un cameo especial de Su Majestad la Reina Isabel, además de tesoros de archivo nunca antes vistos, incluyendo actuaciones de Throbbing Gristle y Psychic TV.
Genesis P-Orridge lived their art to the extreme. A pioneering musician, avant-garde artist, spiritual explorer and gender revolutionary, Genesis has been featured in films and videos, but never the full story… never this intimate… until now. In this authorized but raw and personal documentary, award-winning director David Charles Rodrigues (GAY CHORUS DEEP SOUTH) documents the final year of P-Orridge’s existence as they grapple with mortality and, in the process, reveal the many sacrifices and ultimate payoffs of a life that transcended boundaries. Featuring William Burroughs, Brion Gyson, Timothy Leary, Alice Genese (Psychic TV), David J (Bauhaus/Love and Rockets), Nepalese monks, African witch doctors, and a special cameo by Her Majesty Queen Elizabeth, plus never-before-seen archival treasures, including performances from Throbbing Gristle and Psychic TV.
Las reflexiones se forman en nuestra mente y dan forma a nuestras ideas sobre quiénes somos. El proyecto trata de encontrar respuestas/patrones a partir de diferentes percepciones de la pregunta: ¿Quién soy? Cuando los espectadores se acercan a la instalación, se sienten inmediatamente atraídos por la superficie reflectante, que actúa como una especie de espejo. Sin embargo, a diferencia de un espejo tradicional, cuanto más se acerca uno a él, menos se ve a sí mismo y más ve su entorno.
Este intrigante efecto crea un cambio visual que desafía nuestra comprensión convencional de la identidad propia y nos lleva a considerar la interconexión entre nosotros mismos y el mundo en el que vivimos. ¿Cuál es la naturaleza de la autorreflexión y cómo moldea nuestra comprensión de la identidad personal?
Mirror Me! nos anima a mirar más allá de la superficie y profundizar en la compleja red de relaciones que conforman nuestra identidad. Este acto de observación se convierte en una metáfora del viaje del autodescubrimiento, ya que reconocemos que nuestra identidad no está aislada, sino que está íntimamente entrelazada con las personas, los objetos y los paisajes que nos rodean.
Reflections are formed in our minds and shape our ideas about who we are. The project tries to find answers/ patterns from different perceptions of the question; Who am I? As viewers approach the installation, they are immediately drawn to the reflective surface, which acts as a mirror of sorts. However, unlike a traditional mirror, the closer one gets to it, the less they see of themselves and the more they see of their surroundings.
This intriguing effect creates a visual shift that challenges our conventional understanding of self-identity and prompts us to consider the interconnectedness between ourselves and the world we live in. What is the nature of self-reflection and how does it shape our understanding of personal identity?
Mirror Me! encourages us to look beyond the surface level and delve deeper into the complex web of relationships that shape our identity, This act of observation becomes a metaphor for the journey of self-discovery, as we recognize that our identity is not isolated but intricately intertwined with the people, objects, and landscapes that surround us.
«¿Hay una carretera con mala recepción de señal en el interior?».
New Cartographies utiliza ondas de radio para observar cómo varían las señales invisibles en función de la ubicación y el entorno. Mediante la transmisión y recepción de imágenes por radio, se pretende demostrar cómo el espacio electromagnético se ve moldeado por su entorno. Cada imagen distorsionada funciona como una cartografía, revelando el paisaje invisible de las señales en entornos cotidianos.
«Is a roadside with poor signal reception inside?»
New Cartographies uses radio waves to observe how invisible signals vary based on location and environment. By transmitting and receiving images via radio, it is aimed to demonstrate how electromagnetic space is shaped by its surroundings. Each distorted image functions as a cartography, uncovering the invisible landscape of signals in everyday settings.
In Between Us es una aplicación de mensajería que utiliza inteligencia artificial para reescribir cada mensaje. Al transformar el contenido original, crea un amortiguador entre los pensamientos crudos del remitente y la comprensión del destinatario, suavizando sutilmente las intenciones del remitente. Si bien la aplicación tiene como objetivo fomentar una comunicación que se sienta inofensiva y asertiva, también expone la brecha inherente entre la expresión genuina y el mensaje mediado que finalmente se recibe.
In Between Us is a texting application that uses AI to rewrite every message. By transforming the original content, it creates a buffer between the sender’s raw thoughts and the recipient’s understanding, subtly softening the sender’s intentions. While the app aims to foster communication that feels both harmless and assertive, it also exposes the inherent gap between genuine expression and the mediated message that is ultimately received.
Una charla moderada por Helena Ortiz y con la participación de David Gomez-Barquero de iTEAM, Miguel Motos de Target 3D, Vanesa Zorrilla de la Universidad Miguel Hernández, Carmelo Lizarraga del Instituto de Biomecánica (IBV) y Alfredo Ballester del Instituto de Biomecánica (IBV).
Estamos viviendo un momento en el que la frontera entre lo físico y lo digital se desvanece rápidamente. Los gemelos digitales humanos —réplicas virtuales inteligentes de personas reales— han dejado de ser solo una idea de ciencia ficción. Hoy representan una promesa emergente del futuro digital, con el potencial de transformar la manera en que nos relacionamos, trabajamos, tomamos decisiones y existimos dentro de los entornos virtuales.
A talk moderated by Helena Ortiz, featuring the participation of David Gomez-Barquero from iTEAM, Miguel Motos from Target 3D, Vanesa Zorrilla from Miguel Hernández University, and Carmelo Lizarraga and Alfredo Ballester from the Institute of Biomechanics (IBV).
We are living in a time when the boundary between the physical and the digital is rapidly dissolving. Human digital twins —intelligent virtual replicas of real people— are no longer just a science fiction concept. Today, they represent an emerging promise of the digital future, with the potential to transform the way we connect, work, make decisions, and exist within virtual environments.
Acceso gratuito a todas las instalaciones, charlas y eventos salvo los especificados a continuación:Free access to all installations, talks, and events except those specified below:
16 oct
Bombas Gens
17 oct
Teatre el Musical
17 oct
Bombas Gens
18 oct
TBA
18 oct
16 Toneladas
18 oct
Bombas Gens
19 oct
Cines Babel
Volumens es el festival de referencia en cultura digital y new media art de la Comunidad Valenciana, celebrado anualmente en Valencia desde 2015.
Su nombre encierra tres lecturas: volumen, vinculado al sonido; lumens, a la luz y la imagen; y volúmenes, a los espacios que acogen sus intervenciones.
El festival explora las intersecciones entre arte contemporáneo, música, ciencia y tecnología. Su objetivo es construir una plataforma abierta e inclusiva donde la curiosidad se sumerja en formas de creación únicas e innovadoras, a través de talleres, exposiciones, conferencias, espectáculos y, especialmente, conciertos.
Con la música como motor y una clara vocación de generar nuevas audiencias y resignificar los espacios que ocupa, el festival ha intervenido algunos de los enclaves más emblemáticos de Valencia, como el Palau de la Música, Bombas Gens, el MuVIM, el Centre del Carme de Cultura Contemporània, la Base de La Marina, el Teatre El Musical, la Ciutat de les Arts i les Ciències, La Mutant, Las Naves o La Fábrica de Hielo.
Volumens is the leading festival for digital culture and new media art in the Valencian Community, held annually in Valencia since 2015.
Its name holds three meanings: volume, referring to sound; lumens, to light and image; and volumes, to the spaces that host its interventions.
The festival explores the intersections between contemporary art, music, science, and technology. Its aim is to build an open and inclusive platform where curiosity immerses itself in unique and innovative forms of creation through workshops, exhibitions, talks, performances, and, above all, concerts.
With music as its driving force and a clear commitment to reaching new audiences and reshaping the spaces it occupies, the festival has activated some of Valencia’s most iconic venues, including Palau de la Música, Bombas Gens, MuVIM, Centre del Carme de Cultura Contemporània, La Marina’s Base, Teatre El Musical, the City of Arts and Sciences, La Mutant, Las Naves, and La Fábrica de Hielo.
Otras edicionesOther editions
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Julián Márquez
