Spatial, No Problem. es la historia de una colaboración histórica: el último proyecto oficial de álbum de la leyenda jamaicana Lee «Scratch» Perry junto a los pioneros de la electrónica alemana Mouse on Mars (Jan St. Werner y Andi Toma). Grabado en Berlín en diciembre de 2019, Spatial, No Problem. nació bajo una premisa radical: explorar fronteras desconocidas y alejarse deliberadamente del reggae tradicional. El resultado es una obra de arte total gestada en el Paraverse Studio, donde se fusionaron la improvisación libre, el juego de palabras característico de Perry y una densa red de instrumentistas internacionales que convirtieron el estudio en un ecosistema sonoro sin límites.
Tras años de una meticulosa posproducción y un detallado ensamblaje de cintas, este álbum se erige como un puente perfecto entre diferentes culturas, tecnologías y zonas horarias. Aunque el icónico «Upsetter» falleció antes de ver el resultado final, su energía incombustible y su obsesión por el espacio exterior inundan cada pista de este mosaico vanguardista. Prepárate para sumergirte en una experiencia sonora donde el rasta se encuentra con el dadaísmo, y donde el sonido rompe cualquier restricción para transformarse hacia el futuro de la música experimental. La prsentación de Spatial. No problem. será en formato banda junto a Dodo NKishi and Regis Molina y será premiere en España
Spatial, No Problem. is the story of a landmark collaboration: the final official album project from Jamaican legend Lee «Scratch» Perry alongside German electronic pioneers Mouse on Mars (Jan St. Werner and Andi Toma). Recorded in Berlin in December 2019, Spatial, No Problem. was born from a radical premise: to explore uncharted territory and deliberately move away from traditional reggae. The result is a total work of art conceived at Paraverse Studio, where free improvisation, Perry’s signature wordplay, and a dense network of international instrumentalists fused together, transforming the studio into a boundless sonic ecosystem.
After years of meticulous post-production and detailed tape assembly, this album stands as a perfect bridge between different cultures, technologies, and time zones. Although the iconic «Upsetter» passed away before seeing the final result, his indomitable energy and obsession with outer space permeate every track of this avant-garde mosaic. Prepare to immerse yourself in a sonic experience where Rastafarianism meets Dadaism, and where sound breaks free from all constraints to transform itself into the future of experimental music. Spatial. No problem. will be presented in a band format alongside Dodo Nkishi and Regis Molina and will be its Spanish premiere.
Loraine James se ha consolidado como una de las artistas electrónicas más vitales, impredecibles y aclamadas del Reino Unido. Criada en el Alma Estate del norte de Londres, James absorbió desde la infancia una ecléctica paleta musical que iba desde el heavy metal hasta el calipso, traduciendo más tarde esas influencias en un sonido único mediante su teclado MIDI y un portátil. Tras irrumpir con fuerza en la escena internacional con su álbum debut en el prestigioso sello Hyperdub, For You & I (2019), ha construido una carrera meteórica que fusiona los colores del IDM, el ambient, el drill y el R&B para plasmar con honestidad su realidad queer y afrobritánica.
En su directo actual, James presenta su faceta más audaz e íntima con los paisajes sonoros de su proyecto ambiental Whatever The Weather y los temas de su álbum Detached From The Rest Of You. Inspirado en la era del clicks and cuts de los años 2000 y en referentes como Ryoji Ikeda, esta propuesta apuesta por un sonido minimalista donde los acordes dispersos de teclado, los glitches digitales y los silencios deliberados se convierten en herramientas de composición. Definiéndolo como su «álbum de estrella del pop IDM», Loraine sitúa su propia voz en primer plano, mostrando una madurez artística llena de vulnerabilidad, curiosidad y una constante evolución.
En esta ocasión para presentar su directo vendrá acompañada del baterista y productor Fyn Dobson. Fyn se ha forjado su trayectoria musical compartiendo escenario, estudio y colaborando con artistas de diversas disciplinas, como Loraine James, Warp Records, Kelly Moran (FKA Twigs y Oneohtrix Point Never), Coby Sey, 96Back, Louis Culture, Sam Akpro, Lucinda Chau y BODUR. Fuera de los escenarios, su versatilidad creativa se aprecia en los últimos trabajos de LINDT, donde comparte créditos de producción con Space Afrika, Porter Brook y DJ Chande.
Su estilo de batería se caracteriza por una rica expresión artística, con un sonido crudo, dinámico y preciso: abrasivo, físico y visceral.
Loraine James has established herself as one of the UK’s most vital, unpredictable, and acclaimed electronic artists. Raised in North London’s Alma Estate, James absorbed an eclectic musical palette from childhood—ranging from heavy metal to calypso—later translating those influences into a unique sound using a MIDI keyboard and a laptop. After bursting onto the international scene with her debut album For You & I (2019) on the prestigious Hyperdub label, she has built a meteoric career that fuses the colors of IDM, ambient, drill, and R&B to honestly reflect her queer, Afro-British reality.
In her current live show, James presents her most daring and intimate side, blending the sonic landscapes of her ambient project Whatever The Weather with tracks from her album Detached From The Rest Of You. Inspired by the 2000s clicks and cuts era and benchmarks like Ryoji Ikeda, this project embraces a minimalist sound where sparse keyboard chords, digital glitches, and deliberate silences become core compositional tools. Defining it as her «IDM pop star album,» Loraine places her own voice at the forefront, showcasing an artistic maturity filled with vulnerability, curiosity, and constant evolution.
For this special live performance, she will be accompanied by drummer and producer Fyn Dobson. Fyn has forged his musical career sharing the stage, studio, and collaborating with artists across diverse disciplines, including Loraine James, Warp Records, Kelly Moran (FKA Twigs and Oneohtrix Point Never), Coby Sey, 96Back, Louis Culture, Sam Akpro, Lucinda Chau, and BODUR. Offstage, his creative versatility shines through in LINDT’s latest works, where he shares production credits with Space Afrika, Porter Brook, and DJ Chande. His drumming style is characterized by a rich artistic expression, delivering a raw, dynamic, and precise sound: abrasive, physical, and visceral.
Saint Abdullah & Eomac es una colaboración musical a larga distancia entre los hermanos iraquí-canadienses Mohammad y Mehdi (con sede en Nueva York) e Ian McDonnell (Eomac, ubicado en Irlanda). Iniciado en 2019, este proyecto une el uso de equipos analógicos de los hermanos con la producción digital de Eomac, fusionando el sampleo crudo, la geopolítica y la síntesis sonora. Su objetivo principal es explorar las posibilidades revolucionarias del sonido y fomentar el diálogo cultural mediante la narrativa sónica.
Esta alianza artística ha dado lugar a múltiples lanzamientos discográficos en sellos como Other People de Nicolas Jaar, Planet Mu y Drowned by Locals. Además de sus producciones de estudio, el colectivo ha llevado su propuesta al ámbito de las presentaciones en vivo, destacando en festivales como Nuits Sonores y Tehran Contemporary Sounds. Asimismo, han aclamado el éxito de su pieza colaborativa audiovisual ‘A Forbidden Distance’, presentada en prestigiosos eventos como Berlin Atonal y Unsound.
Saint Abdullah & Eomac is a long-distance musical collaboration between Iranian-Canadian brothers Mohammad and Mehdi (based in New York) and Ian McDonnell (Eomac, based in Ireland). Initiated in 2019, this project merges the brothers’ use of analogue gear with Eomac’s digital production, blending raw sampling, geopolitics, and sound synthesis. Their main goal is to explore the revolutionary possibilities of sound and foster cultural dialogue through sonic storytelling.
This artistic alliance has resulted in multiple record releases on labels such as Nicolas Jaar’s Other People, Planet Mu, and Drowned by Locals. In addition to their studio productions, the collective has taken their proposal into the live arena, performing at festivals like Nuits Sonores and Tehran Contemporary Sounds. Furthermore, they have achieved critical acclaim for their collaborative audiovisual piece ‘A Forbidden Distance’, presented at prestigious events including Berlin Atonal and Unsound.
El compositor y artista digital Milian Mori lleva años redefiniendo los límites conceptuales de la música electrónica. Su propuesta expande y reinterpreta el vocabulario del dance al integrar danza, algoritmos, píxeles y síntesis minimalista. En su universo creativo, las matemáticas, la geometría y los datos fríos se entrelazan con la emoción pura y el pulso corporal. Al explorar la máquina frente al ser humano y la aleatoriedad junto a la autosimilitud, su obra trasciende el dualismo clásico. Su arte no pretende imponer respuestas ni formular cuestionamientos; busca, en cambio, abrir un espacio de contemplación pura. Esta visión holística se alimenta de una prolífica trayectoria repleta de colaboraciones y proyectos interdisciplinares.
Mori destaca no solo como compositor, sino como artista de instalaciones DIY, diseñador de sonido e ingeniero de grabación. Un arquitecto sonoro capaz de transformar la trialidad y la geometría abstracta en una experiencia mística para el oyente. Milian Mori se consolida así como una de las firmas más fascinantes e inclasificables de la vanguardia digital contemporánea.
Composer and digital artist Milian Mori has spent years redefining the conceptual boundaries of electronic music. His work expands and reinterprets the vocabulary of dance music by integrating dance, algorithms, pixels, and minimalist synthesis. In his creative universe, mathematics, geometry, and cold data intertwine with pure emotion and bodily pulse. By exploring human versus machine and randomness alongside self-similarity, his work transcends classical dualism. His art does not aim to impose answers or pose questions; instead, it seeks to create a space of pure contemplation. This holistic vision is fueled by a prolific career rich in multidisciplinary projects and collaborations.
Mori stands out not only as a composer, but also as a DIY installation artist, sound designer, and recording engineer—a sonic architect capable of transforming triality and abstract geometry into a mystical experience for the listener. Milian Mori thus establishes himself as one of the most fascinating and unclassifiable figures in the contemporary digital avant-garde.
Sorpresa, aventura, entretenimiento y educación. Estas cuatro palabras definen a la perfección las sesiones de la productora y DJ holandesa Marcelle / Another Nice Mess. Con un virtuosismo único y operando simultáneamente tres platos tanto en el estudio como en el escenario, Marcelle difumina la línea entre DJ y música, fusionando estilos dispares de forma tan orgánica que parece que siempre han estado destinados a sonar juntos. Su estilo inconfundible esquiva cualquier cliché: desde sonidos ambientales y ruidos de vanguardia hasta free jazz, leftfield techno, hip-hop abstracto, nueva música de baile africana y dubstep.
Inspirada por movimientos vanguardistas como el Dadá y el Fluxus, el absurdo de los Monty Python y la experimentación salvaje del post-punk y el dub, Marcelle cuenta con una impresionante colección de más de 20.000 vinilos que respalda su profundo conocimiento histórico de la música underground. Residente de por vida del icónico Festival Nyege Nyege de Uganda y aclamada en internet como la «mejor DJ post-Peel», Marcelle ofrece una experiencia sonora inclasificable que ella misma se aventura a bautizar como «avant-garde ethno bass». Una auténtica revelación y pionera dispuesta a romper todas las reglas preconcebidas en la pista de baile.
Surprise, adventure, entertainment, and education. These four key words perfectly capture the essence of Dutch producer and DJ Marcelle / Another Nice Mess. Demonstrating masterful skill by operating three turntables simultaneously both in the studio and live on stage, Marcelle blurs the line between DJ and musician, fusing disparate styles so seamlessly that they feel inherently connected. Her distinctive style completely bypasses traditional DJ clichés, effortlessly blending environmental sounds and avant-garde noise with free jazz, leftfield techno, weird hip-hop, cutting-edge electronic rhythms, new African dance music, and dubstep.
Deeply inspired by avant-garde art movements like Dada and Fluxus, the real-life absurdism of Monty Python, and the wild sonic experiments of dub and post-punk, Marcelle relies on her massive collection of over 20,000 vinyl records to deliver sets backed by profound historical knowledge of underground music. Appointed as a «lifetime resident DJ» by Uganda’s legendary Nyege Nyege Festival and celebrated online as the «best post-Peel DJ», her unclassifiable performances are best described in her own words as «avant-garde ethno bass». A true pioneer and an ear-opening force ready to challenge expectations and shatter rules on the dancefloor.
@C + Visiophone es un proyecto portugués integrado por Miguel Carvalhais, Pedro Tudela y Rodrigo Carvalho que ofrece una innovadora performance audiovisual basada en un sistema modular generativo. En su directo, los tres creadores interactúan en tiempo real combinando ordenadores, sonido, luces y visuales para explorar el papel de la tecnología no solo como herramienta, sino como un agente y socio creativo autónomo. Cada actuación de este proyecto, estrenado originalmente en el CAAA de Guimarães en 2024, es una pieza única que emerge del encuentro directo y orgánico entre la sensibilidad de los artistas y la respuesta de las máquinas.
Detrás de este proyecto se encuentra la veteranía de Carvalhais y Tudela, quienes colaboran desde el año 2000 bajo el nombre de @c en el ámbito de la experimentación radical con el sonido computacional e instalaciones, además de fundar en 2003 el reputado sello de música experimental Crónica. A ellos se une Rodrigo Carvalho (Visiophone), un diseñador y artista enfocado en medios computacionales, programación creativa y arte interactivo que forma parte de Openfield Creativelab y Boris Chimp 504. Juntos, firman una propuesta donde las pantallas, los escenarios y los algoritmos confluyen en una experiencia inmersiva de vanguardia.
30×N is a Portuguese project featuring Miguel Carvalhais, Pedro Tudela, and Rodrigo Carvalho, delivering an innovative audiovisual performance powered by a generative modular system. In their live show, the three creators interact in real time by blending computers, sound, lights, and visuals to explore the role of technology not just as a tool, but as an active agent and creative partner. Originally premiered at CAAA in Guimarães in 2024, each performance stands as a unique piece that emerges directly from the organic meeting between the artists’ intuition and the machine’s response.
The project brings together the extensive experience of Carvalhais and Tudela—who have collaborated as @c since 2000 in radical computational sound experimentation and installations, and co-founded the renowned experimental label Crónica in 2003. They are joined by Rodrigo Carvalho (Visiophone), a designer and computational media artist focusing on creative programming and interactive art, known for his work with Openfield Creativelab and Boris Chimp 504. Together, they deliver a cutting-edge showcase where screens, stages, and algorithms converge into a deeply immersive experience.
Myriam Bleau es una compositora, artista digital y performer afincada en Montreal que utiliza el sonido como punto de partida para articular luz, movimiento e interfaces interactivas. Su práctica híbrida explora los espacios porosos entre el mundo físico y el virtual, así como entre lo natural y lo sintético. A través del código, el machine learning y la computación física, la artista concibe la tecnología como un agente cocreador de sus piezas. Con una trayectoria volcada en la performance y los contextos efímeros, su obra ha sido presentada e internacionalmente aclamada en festivales de referencia como Prix Ars Electronica, Sónar, Transmediale, MUTEK, Elektra o L.E.V.
Soft Revolvers es una performance audiovisual para cuatro peonzas construidas en acrílico transparente por la propia artista. Cada peonza está asociada a un «instrumento» dentro de una composición de música electrónica, y los datos de movimiento recabados por sensores alojados en su interior alimentan distintos algoritmos musicales.
Con sus grandes cuerpos circulares giratorios y su función como dispositivos de reproducción musical, las interfaces evocan de manera directa los platos de vinilo, la cultura DJ, el hip-hop y la música de baile. Asimismo, una serie de luces LED situadas dentro de las peonzas ilumina el cuerpo de los objetos en un preciso contrapunto con la música, creando halos lumínicos en constante rotación.
Esta actuación es copresentada por MUTEK, con el apoyo financiero del Canada Council for the Arts y el Conseil des arts et des lettres du Québec.
Montréal-based composer, digital artist, and performer Myriam Bleau uses music and sound as a point of departure to create audiovisual performances, installations, and interactive interfaces that articulate light, sound, and movement. Embracing ephemeral and elusive contexts, her hybrid practice explores the porous boundaries between the physical and virtual realms, as well as the natural and the synthetic. Treating technology—from code and machine learning to physical computing—as an active co-creator rather than a mere tool, her work has been recognized internationally at major festivals and events such as Prix Ars Electronica, Sónar, MUTEK, Transmediale, and L.E.V.
Soft Revolvers is an audiovisual performance for 4 spinning tops built with clear acrylic by the artist. Each top is associated with an ‘instrument’ in an electronic music composition and the motion data collected by sensors – placed inside the tops – informs musical algorithms. With their large circular spinning bodies and their role as music playing devices,the interfaces strongly evoke turntables and DJ culture, hip hop and dance music. LEDs placed inside the tops illuminate the body of the objects in a precise counterpoint to the music,
creating spinning halos.
This performance is co-presented by MUTEK, with the financial support of the Canada Council for the Arts and the Conseil des arts et des lettres du Québec.
Owen McAteer es un artista irlandés afincado en Madrid que desarrolla su práctica en el ámbito de los new media. Utilizando código y sistemas matemáticos complejos, diseña «obras de arte vivas» que toman la forma de pantallas cinéticas e instalaciones interactivas de luz y color. Su propuesta artística busca explorar la conexión humana con las dimensiones ocultas de nuestro entorno y el deseo de comprenderlas, desvelando la belleza intrínseca que reside en lo impredecible. Con una destacada trayectoria internacional, su obra ha sido expuesta en galerías, museos y prestigiosos espacios públicos globales como Christie’s, Phillips, HOFA, ArtBlocks, Pisa y el CCCC.
Para el festival, McAteer estrena su obra Monad, un espectáculo audiovisual inmersivo concebido especialmente para el espacio histórico del Refugi de Bombas Gens en Valencia. Esta instalación lumínica y sonora actúa como un viaje metafórico desde el ruido de nuestro mundo cotidiano hacia la lógica singular del universo geométrico. El recorrido invita al espectador a descender a través de una escalera donde el exterior se silencia, guiándolo por salas inferiores repletas de láseres, luces sincronizadas y un detallado paisaje sonoro de Chris McAteer, hasta alcanzar el «Punto de Unidad»: la singularidad geométrica y matemática de la que todo emana.
Owen McAteer is an Irish new media artist based in Madrid who crafts compelling interactive experiences at the intersection of technology and art. By leveraging code and rigorous mathematical systems, he generates «living artworks» that manifest as kinetic displays and shifting installations of color and light. His creative practice probes the human connection to the unseen structures surrounding us, mapping our inherent desire to decode them while uncovering the unique beauty buried within the unpredictable. McAteer’s work has gained international recognition, exhibiting at acclaimed global galleries, museums, and public institutions, including Christie’s, Phillips, HOFA, ArtBlocks, Pisa, and CCCC.
For this festival edition, McAteer introduces Monad, an immersive audiovisual light showcase custom-designed for the historic Refugi at Bombas Gens in Valencia. Driven by pure geometry, the installation serves as a metaphorical journey away from the chaotic noise of our daily reality and into the singular logic of the mathematical universe. Audiences are invited to descend through a transitional space where the outside world falls silent, entering lower chambers activated by synchronized lasers, lights, and a tailored soundscape by Chris McAteer, eventually arriving at the Monad’s «Point of Unity»—the very core of geometric singularity from which everything stems.
Kati Katona (n. 1995) es una artista de nuevos medios afincada en Budapest cuya práctica se sitúa en la intersección entre la tecnología, la percepción y el espacio. A través de la creación de instalaciones interactivas, arte generativo y projection mapping, Katona traduce fenómenos orgánicos y estructuras biomórficas en entornos visuales algorítmicos y meditativos que transforman la percepción espacial, difuminando de este modo las fronteras entre los mundos físico y virtual. Su destacada trayectoria internacional abarca muestras en plataformas globales como Vivid Sydney, Intervals Festival y el Light Art Museum Budapest, un reconocimiento a su innovación que se consolidó en 2026 al recibir el premio Carmen Mateu Young European Artist Prize junto a sus colaboradores.
Entre sus producciones a gran escala destaca CONTINUUM (2025), una composición audiovisual e instalación de vídeo inmersiva diseñada originalmente para proyectarse en cuatro paredes y el techo, envolviendo por completo al espectador. Esta obra explora la estructura estratificada y no lineal del espacio y el tiempo a escala cósmica, ilustrando la diversidad de escalas temporales mediante procesos universales como la formación de nebulosas, las transformaciones de supernovas y los efectos distorsionadores de los agujeros negros. Al plantear que el tiempo cósmico no es una progresión lineal sino una estructura dinámica en continua transformación cíclica, la instalación invita al público a sumergirse en un entorno donde pasado, presente y futuro se entrelazan para ser experimentados emocionalmente.
Kati Katona (b. 1995) is a Budapest-based new media artist whose practice lies at the intersection of technology, perception, and space. Through the creation of interactive installations, generative art, and projection mapping, Katona translates organic phenomena and biomorphic structures into algorithmic and meditative visual environments that transform spatial perception, thereby blurring the boundaries between the physical and virtual realms. Her outstanding international trajectory includes showcases at global platforms such as Vivid Sydney, Intervals Festival, and the Light Art Museum Budapest —a recognition of her innovation that was consolidated in 2026 when she was awarded the Carmen Mateu Young European Artist Prize alongside her collaborators.
Among her large-scale productions, CONTINUUM (2025) stands out as an immersive video installation and audiovisual composition originally designed to be projected onto all four walls and the ceiling, completely enveloping the viewer. This work explores the layered and non-linear structure of space and time on a cosmic scale, illustrating the diversity of time scales through universal processes such as the formation of nebulae, supernova transformations, and the distorting effects of black holes. By proposing that cosmic time is not a linear progression but a dynamic structure in continuous cyclical transformation, the installation invites the public to immerse themselves in an environment where past, present, and future intertwine to be deeply and emotionally experienced.
La artista multidisciplinar Christina Gerg, afincada entre Berlín y Múnich, presenta una instalación inmersiva inspirada en la Sonata del claro de luna de Giannis Ritsos. Marcada por una discapacidad auditiva parcial, su práctica se fundamenta en la comunicación no verbal y la percepción sensorial, investigando el diálogo silencioso entre la mente humana, la tecnología y la naturaleza. Combinando procesos analógicos con sistemas generativos desarrollados en TouchDesigner, esta obra hace emerger paisajes interiores y figuras arquetípicas a través de Gaussian splats, vídeo y partículas en suspenso bajo tonalidades espectrales. Un trabajo que aborda la memoria, la soledad y el deseo, disolviendo las fronteras entre imagen, arquitectura y experiencia.
Con el apoyo del Consulado General de la República Federal de Alemania en Barcelona y la colaboración de 3AM:ENERGY
Berlin and Munich-based multidisciplinary artist Christina Gerg presents an immersive installation inspired by Giannis Ritsos‘ Moonlight Sonata. Shaped by a partial hearing impairment, her artistic practice is deeply rooted in non-verbal communication and sensory perception, exploring the silent dialogue between human awareness, technology, and nature. Blending analog processes with digital generative systems in TouchDesigner, this piece constructs inner landscapes and archetypal figures through shifting particles, Gaussian splats, and spectral video hues. The work delves into memory, solitude, and longing, effectively dissolving the boundaries between image, space, and experience.
With the kind support of the Consulate General of the Federal Republic of Germany in Barcelona and in collaboration with 3AM:ENERGY
Diana Carmenate es artista cubana multimedia, diseñadora gráfica y docente —miembro del equipo creativo de Radiante Light Art Studio y del equipo técnico de Bombas Gens— presenta NOU ATLAS, una instalación lumínica inmersiva que explora la convergencia entre el diseño gráfico y la escultura de luz. Utilizando tres lásers como material de construcción gráfica espacial en lugar de meros proyectores, la obra traslada las operaciones fundamentales del diseño vectorial —como capas, trazos, repetición, rotación y simetría— directamente al espacio físico. Lo que habitualmente sucede dentro de la pantalla se despliega aquí a escala arquitectónica, evolucionando desde el dibujo bidimensional hacia la ilusión de volúmenes tridimensionales efímeros. Sincronizada con un diseño sonoro cuadrafónico que amplifica el movimiento visual, NOU ATLAS transforma las paredes en superficies activas y el vacío en una experiencia multisensorial perceptible. El diseño del sonido corre a cargo del músico turco Ilgin Icozu.
Diana Carmenate is a Cuban multimedia artist, graphic designer, and educator—member of the Radiante Light Art Studio creative team and Bombas Gens technical team—who presents NOU ATLAS, an immersive light installation exploring the convergence between graphic design and light sculpture. Using three lasers as spatial graphic building materials rather than simple projectors, the work translates core vector design operations—such as layers, strokes, repetition, rotation, and symmetry—directly into architectural space. What typically occurs on a screen unfolds here at a spatial scale, shifting from two-dimensional drawings into the illusion of ephemeral three-dimensional volumes. Synchronized with a quadraphonic sound design that amplifies this visual movement, NOU ATLAS transforms walls into active surfaces and the void into a tangible, multisensory experience. Turkish musician Ilgin Icozu created the sound design
Sentuhlà es uno más de los muchos alias musicales de José Guerrero, integrante de largo recorrido de la rica escena underground de Valencia. En esta nueva excursión en solitario, explora las vastas posibilidades de la repetición mecánica, el funk maquinal con ritmos sucios y el boogie de sintetizadores, esculpiendo un sonido sincopado que es moderno pero atávico al mismo tiempo. Con una amplia variedad sonora y profundidad de detalle, Sentuhlà es música de baile a través del downtempo, con los ritmos africanos jugando con la no wave, y logrando la difícil tarea de sonar despreocupado pero también ardiente y meticuloso.
Música de club nocturno a puerta cerrada que atraerá a los fanáticos de los nuevos caminos en la música de baile que colocaron a Cabaret Voltaire, impLOG o la Orchestre Poly-Rythmo de Cotonou en los sótanos del siglo XXI.
Sentuhlà is one of the many musical aliases of José Guerrero, a long-time member of Valencia’s rich underground scene. In this new solo venture, he explores the vast possibilities of mechanical repetition, machine-like funk with gritty rhythms, and synth-driven boogie, sculpting a syncopated sound that is both modern and primal. With a wide sonic range and depth of detail, Sentuhlà is dance music through downtempo, with African rhythms playing with no wave, achieving the difficult feat of sounding carefree yet fiery and meticulous.
Closed-door nightclub music that will appeal to fans of the new directions in dance music that propelled Cabaret Voltaire, impLOG, and Cotonou’s Orchestre Poly-Rythmo into the basements of the 21st century.
Showcase Abstrakce records
Hari Sima es el proyecto personal de Paco León, músico y productor de Castelló, que explora territorios entre el ambient, la experimentación electrónica y la música secuencial. Desarrolla un enfoque introspectivo en el que convergen texturas sintéticas y elementos orgánicos. Actualmente, forma parte del grupo Mecánica Clásica y formaba parte del dúo Güiro Meets Russia.
Abstrakce records showcase
Hari Sima is the personal project of Paco León, a musician and producer from Castelló, who explores territories between ambient, electronic experimentation, and sequential music. He develops an introspective approach in which synthetic textures and organic elements converge. He is currently a member of the group Mecánica Clásica and was formerly part of the duo Güiro Meets Russia.
Showcase colectivo INPUTS
Gianluca Tavaroli es IMGL, un músico de formación clásica y uno de los fundadores del colectivo Inputs. Con una combinación perfecta de sensibilidades clásicas e innovación electrónica, la música de IMGL trasciende géneros y crea un paisaje sonoro que invita a los oyentes a vivir una experiencia auditiva cautivadora. Sus composiciones, que abarcan desde expresiones clásicas hasta exploraciones ambientales, muestran una profunda versatilidad que refleja su compromiso de ampliar los límites de la expresión musical.
INPUTS Collective Showcase
Gianluca Tavaroli is IMGL, a classically trained musician and one of the founders of the Inputs collective. Blending classical sensibilities with electronic innovation, IMGL’s music transcends genres to create a sonic landscape that invites listeners into a captivating auditory experience. Ranging from classical expressions to ambient explorations, his compositions showcase a deep versatility that reflects his commitment to pushing the boundaries of musical expression.
Showcase Colectivo INPUTS
El estilo de Eter and the patterns (EATP) es pura electrónica analógica de la vieja escuela, de esa que se cocina en directo y sobre la marcha. Formado por los proyectos de Tele_visiones y Barmopa. El dúo hispano-argentino pasa olímpicamente de ordenadores y se la juega a base de cacharros: cajas de ritmos, secuenciadores y sintetizadores interconectados.
Su sonido es un techno oscuro, mental e hipnótico que no busca el subidón fácil, sino meterte en un bucle a base de ritmos cíclicos, texturas industriales muy densas y esas líneas de bajo ácidas que te vuelan la cabeza cuando empiezan a retorcer los filtros en vivo. Al final, lo suyo es una improvisación cruda y artesanal, muy de club underground, donde la gracia está en ver cómo dialogan entre ellos a través de las máquinas para crear una atmósfera envolvente que te atrapa de principio a fin.
INPUTS Collective Showcase
The style of Eter and the patterns (EATP) is pure old-school analog electronics—the kind that is cooked up live and on the fly. Formed by the projects Tele_visiones and Barmopa. The Spanish-Argentine duo bypass computers entirely, putting everything on the line with raw hardware: interconnected drum machines, sequencers, and synthesizers.
Their sound is a dark, mental, and hypnotic techno that steers clear of the easy drop; instead, it draws you into a loop built on cyclic rhythms, dense industrial textures, and those acid basslines that blow your mind as they twist the filters live. Ultimately, their performance is a raw, handcrafted improvisation with a deep underground club vibe, where the real magic lies in watching them dialogue through the machines to create an immersive atmosphere that grips you from start to finish.
Showcase Discos en Vela
Adrián Camáñez es el alma detrás de Revendless, un proyecto musical que fusiona sintetizadores analógicos, procesamiento digital y voces en directo. Con una sensibilidad única arraigada en el ambient, el dream pop y la electrónica experimental, el compositor, guitarrista y teclista llega a Volumens 2026 para presentar en directo «Nostalgia», su aclamado primer trabajo en solitario editado por el sello VELA.
Showcase Discos en Vela
Adrián Camáñez is the creative mind behind Revendless, a project that seamlessly blends analog synthesizers, digital processing, and live vocals. Driven by a unique sensitivity rooted in ambient, dream pop, and experimental electronics, the composer, guitarist, and keyboardist comes to Volumens 2026 to present «Nostalgia«, his acclaimed debut solo album recently released via VELA.
BAZAR es el proyecto en solitario de la creadora sonora valenciana Alba Murcia. Estrenado en 2026, propone un directo construido íntegramente en tiempo real y sin secuencias pregrabadas, donde la artista articula su archivo personal de grabaciones y experimentos vocales. La actuación se desarrolla mediante la repetición y acumulación de capas sonoras, transitando por géneros como el ambient, el ruidismo, el minimalismo y el collage sonoro. En su propuesta, la voz funciona como lenguaje y textura, cruzando constantemente lo íntimo con lo extraño, y lo orgánico con lo sintético, para ofrecer un set irrepetible y envolvente
BAZAR is the solo project of Valencia-based sound creator Alba Murcia. Premiered in 2026, it features a live set built entirely in real-time with no pre-recorded sequences, where the artist articulates her personal archive of field recordings and vocal experiments. The performance unfolds through the repetition and accumulation of sonic layers, moving fluidly between ambient, noise, minimalism, and sound collage. In her work, the voice acts as both language and texture, constantly blurring the lines between the intimate and the strange, the organic and the synthetic, delivering a truly unique and immersive set in every show.
Showcase Discos en Vela
Andrea Giménez es pianista y productora de vanguardia, Andrea Giménez expande los límites de la música experimental, el minimalismo y el ambient. Mediante el uso sinérgico del piano, los sintetizadores y la electrónica, deconstruye el sonido a través de efectos granulares, ráfagas y glitches, modelando paisajes sonoros únicos que mutan en texturas móviles y orgánicas.
Showcase Discos en Vela
Andrea Giménez is an avant-garde pianist and producer, Andrea Giménez pushes the boundaries of experimental music, minimalism, and ambient soundscapes. Seamlessly combining piano, synthesizers, and electronic elements, she deconstructs sound using granular effects, bursts, and glitches to shape ever-evolving, organic textures.
Showcase Discos en Vela
Ari es fundadora y curadora de Radio Internet, Ari es una DJ indispensable de la escena de València. Su propuesta sonora se sumerge en el tribal house, el latin bass y las texturas dub, expandiéndose de manera natural hacia el downtempo, el trip hop y el ambient. Sus sesiones destacan por una narrativa fluida, meticulosa y exploratoria que evoluciona de forma progresiva en la pista de baile.
Showcase Discos en Vela
Founder and curator of Radio Internet, Ari is a key selector in the Valencia electronic music scene. Her sonic landscape blends tribal house, latin bass, and dub textures, expanding effortlessly into downtempo, trip hop, and ambient territories. Her sets stand out for their fluid, meticulously crafted, and exploratory narrative that builds progressively on the dancefloor.
Parte integrante del sello Abstrakce records, B.F.E records, Oryx Sound y Mecánica Clásica. Obstinado coleccionista de discos y nuevos sonidos, presentará una sesión de corte experimental, downtempo y dub electrónico.
A key member behind labels like Abstrakce Records, B.F.E Records, and Oryx Sound, as well as the project Mecánica Clásica. A relentless record collector and seeker of new sounds, he will deliver a set exploring experimental, downtempo, and electronic dub territories.
Músico polifacético con gran capacidad para transmitir sonoridades polifacéticas, tanto en sus proyectos como en sus sesiones de Dj. Sesión de electrónica experimental downtempo en las que el ritmo pausado se transforma en música de baile.
A versatile musician with a knack for delivering rich, multifaceted soundscapes—both through his personal projects and DJ sets. Expect a downtempo, experimental electronic set where slow-paced rhythms seamlessly evolve into dance music.
Lisa Randall es el alias de Iñaki Abrego, DJ que participa en la curación del sello valenciano Explorations y que formó parte del colectivo Dialektik. Sus sesiones abarcan los límites más oscuros de la música de baile contemporánea, desde las mutaciones del hip hop y el dub producidas en las últimas décadas hasta las recientes exploraciones electrónicas realizadas en África o Asia.
Lisa Randall is the moniker of Iñaki Abrego, a DJ involved in the curation of the Valencia-based label Explorations and a former member of the Dialektik collective. His sets navigate the darker edges of contemporary dance music, spanning from the mutations of hip-hop and dub over recent decades to recent electronic explorations across Africa and Asia.
Vicent Pelechano (Valencia) es creador sonoro y experimentador audiovisual valenciano. Forma parte del colectivo Cuneta junto a Alba Murcia desde 2008, con el que se dedica al diseño y ejecución de proyectos socioculturales en el ámbito de la creación sonora comunitaria.
Presenta en solitario su proyecto Biòtop, una obra en proceso que dialoga con el hábitat del lago de l’ Albufera de Valencia. La propuesta nace a partir del descubrimiento de la película homónima del cineasta valenciano Carles Mira, un poema visual que recoge los testimonios de la degradación de este entorno durante la década de los sesenta. Ruidos, bucles, voces, paisajes, reclamos de aves, tradición y experimentación confluyen en una pieza construida a partir de capas sonoras que evolucionan en directo. A las texturas ambientales, las grabaciones de campo y el sonido del guembri —instrumento de tres cuerdas originario de la tradición gnawa de Marruecos— se añaden objetos que intervienen una guitarra eléctrica, aportando nuevas atmósferas y paisajes a la pieza.
Vicent Pelechano is a Valencia-based sound creator and audiovisual experimenter. Since 2008, he has been part of the Cuneta collective alongside Alba Murcia, designing and developing socio-cultural projects focused on community sound creation.
He presents his solo project Biòtop, an ongoing work that engages in a dialogue with the habitat of Valencia’s Albufera lake. The proposal was inspired by the discovery of the eponymous film by Valencian director Carles Mira—a visual poem documenting the environmental degradation of the area during the 1960s.
Noise, loops, voices, sonic landscapes, bird calls, tradition, and experimentation converge in a live-evolving piece built from layered sounds. Ambient textures, field recordings, and the sound of the guembri—a three-stringed instrument from the Moroccan Gnawa tradition—are interwoven with an electric guitar manipulated by various objects, bringing striking new atmospheres and landscapes to the performance.
Zentralmedia & Arturia presenta “Breve Historia de los sintetizadores y cómo vivir la experiencia de manera virtual” por HD Substance
Un recorrido por la historia del instrumento vital para el desarrollo de la música de vanguardia: el sintetizador y cómo revivir esa historia con recreaciones digitales de los más importantes de la mano de compañías como Arturia, Cherry Audio o alternativas gratuitas como Full Bucket Music.
HD Substance es una figura clave de la música electrónica con más de tres décadas de trayectoria como DJ, productor, profesor y periodista, habiendo iniciado su proyecto en solitario en los noventa marcado por el synth pop, el EBM y la cultura rave. Tras debutar en sellos de culto como Geometrik y consolidarse en Elefant Records, impulsó la escena techno creando el sello Atlas y actualmente co-dirige la discográfica SUB tl junto a Leandro Gámez. Su presencia internacional lo ha llevado a pinchar en clubes emblemáticos como Berghain, Tresor y Razzmatazz, faceta que compagina con el espectáculo de audio experimental e IDM DIRECTORS junto a la artista visual Mahatma Bond.
Zentralmedia & Arturia present: “A Brief History of Synthesizers and How to Experience Them Virtually” by HD Substance
A journey through the history of a crucial instrument in the development of avant-garde music: the synthesizer, and how to relive that history through digital recreations of the most iconic models from companies like Arturia, Cherry Audio, or free alternatives such as Full Bucket Music.
HD Substance is a key figure in electronic music with over three decades of experience as a DJ, producer, educator, and music journalist. He launched his solo project in the 1990s, shaped by synth-pop, EBM, and rave culture. After debuting on cult labels such as Geometrik and solidifying his presence on Elefant Records, he pushed the techno scene forward by founding the Atlas label, and currently co-runs the SUB tl record label alongside Leandro Gámez. His international presence has led him to play at iconic clubs like Berghain, Tresor, and Razzmatazz—a facet he combines with DIRECTORS, an experimental audio and IDM live show alongside visual artist Mahatma Bond.
modul es una plataforma de arte medial con sede en Valencia, nacida en 2024 para dinamizar una comunidad en torno a la experimentación multimedia, la cultura DIY y la intersección entre ciencia, tecnología y sociedad. Entre sus actividades destacan eventos, talleres y su iniciativa principal: SYNC, una sesión mensual de improvisación electrónica. En SYNC, seis artistas de sonido y vídeo (seleccionados por convocatoria abierta y con criterios de igualdad y rotación) interactúan en turnos de 15 minutos, explorando la creación colaborativa en tiempo real y generando resultados imprevisibles en un formato cercano al público.
Como parte de su programación, modul organiza Crear y Comulgar, una charla sobre tendencias tecnosociales y creación de comunidades urbanas, con los artistas invitados Javier Melgar (músico electrónico y desarrollador), Magda Arques (artista visual y programadora creativa) y Sergi Palau (artista visual y comisario del festival Volumens). A través de este tipo de actividades y colaboraciones con instituciones y colectivos locales, la plataforma busca impulsar la programación cultural de la Comunidad Valenciana en el ámbito del arte digital y promover espacios de intercambio libre de conocimientos.
modul is a Valencia-based media art platform founded in 2024 to foster a community around multimedia experimentation, DIY culture, and the intersection of science, technology, and society. Its main initiative is SYNC, a monthly electronic improvisation session where six sound and video artists—chosen via an open call that ensures gender equality and rotation—collaborate in 15-minute bursts, creating unpredictable real-time AV performances in an intimate setting.
The platform also hosts talks like Crear y Comulgar, which explores techno-social trends and community building, featuring guest artists Javier Melgar (electronic musician and developer), Magda Arques (visual artist and creative coder), and Sergi Palau (visual artist and curator of the Volumens festival). Through these events, workshops, and local collaborations, modul aims to boost the Valencian Community’s digital art scene and promote free knowledge exchange.
Showcase Abstrakce records
Detrás de su faceta de skater/filmmaker de esta ciudad como Hate TV se esconde otra como coleccionista de discos y rastreador de sonidos que despierten su interés sin importar el género, reuniendo una gran diversidad de propuestas que van desde el dub, el post-punk , industrial hasta las B-sides y rarezas poco comunes de los 80s con pinceladas electrónicas como hilo conductor
Showcase Abstrakce records
Behind his persona as a local skater and filmmaker behind Hate TV lies another side: a record collector and crate digger seeking compelling sounds across all genres. His selections bring together a wide-ranging spectrum—from dub, post-punk, and industrial to obscure 80s B-sides and rarities—with subtle electronic touches serving as the common thread.
Nacido en Valencia, RDO es un proyecto con una intención muy clara: generar puntos de encuentro entre colectivos, artistas, proyectos y personas vinculadas a la cultura musical de la ciudad.
Más que una fiesta, RDO funciona como una verdadera plataforma de conexión. Se trata de un espacio donde distintas identidades pueden convivir, compartir público y construir algo colectivo, sin perder en ningún momento la esencia que las hace propias. Fiel a sus principios, el proyecto apuesta por una construcción horizontal basada íntegramente en la colaboración entre proyectos independientes.
Su identidad nace precisamente de la diversidad de quienes participan en él y de una manera compartida de entender la cultura musical: siempre desde lo cercano, lo independiente y lo colectivo.
Sobre su participación en esta edición: Para esta ocasión, RDO propone una experiencia completa que va más allá de la pista de baile.
12:00 h: Apertura con un market especial para iniciar la jornada.
14:00 h en adelante: La cabina tomará el control con una cuidada selección musical a cargo de Fon, Kenyi aka Jedao, Hanten, Pigmento Sónico B2B Digro y Recho.
Acceso gratuito a todas las instalaciones, charlas y eventos hasta llenar aforo, salvo los especificados a continuación:Free access to all installations, talks, and events until capacity is reached, except those specified below:
14 oct
Bombas Gens
15 oct
Bombas Gens
16 oct
Bombas Gens
16 oct
Teatre el Musical
17 oct
Bombas Gens
17 oct
CaixaForum
17 oct
16 Toneladas
Volumens es el festival de referencia en cultura digital y new media art de la Comunidad Valenciana, celebrado anualmente en Valencia desde 2015.
Su nombre encierra tres lecturas: volumen, vinculado al sonido; lumens, a la luz y la imagen; y volúmenes, a los espacios que acogen sus intervenciones.
El festival explora las intersecciones entre arte contemporáneo, música, ciencia y tecnología. Su objetivo es construir una plataforma abierta e inclusiva donde la curiosidad se sumerja en formas de creación únicas e innovadoras, a través de talleres, exposiciones, conferencias, espectáculos y, especialmente, conciertos.
Con la música como motor y una clara vocación de generar nuevas audiencias y resignificar los espacios que ocupa, el festival ha intervenido algunos de los enclaves más emblemáticos de Valencia, como el Palau de la Música, Bombas Gens, el MuVIM, el Centre del Carme de Cultura Contemporània, la Base de La Marina, el Teatre El Musical, la Ciutat de les Arts i les Ciències, La Mutant, Las Naves o La Fábrica de Hielo.
Volumens is the leading festival for digital culture and new media art in the Valencian Community, held annually in Valencia since 2015.
Its name holds three meanings: volume, referring to sound; lumens, to light and image; and volumes, to the spaces that host its interventions.
The festival explores the intersections between contemporary art, music, science, and technology. Its aim is to build an open and inclusive platform where curiosity immerses itself in unique and innovative forms of creation through workshops, exhibitions, talks, performances, and, above all, concerts.
With music as its driving force and a clear commitment to reaching new audiences and reshaping the spaces it occupies, the festival has activated some of Valencia’s most iconic venues, including Palau de la Música, Bombas Gens, MuVIM, Centre del Carme de Cultura Contemporània, La Marina’s Base, Teatre El Musical, the City of Arts and Sciences, La Mutant, Las Naves, and La Fábrica de Hielo.
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